Del 15 al 26 de abril de 2026, la Ciudad de Buenos Aires será nuevamente el epicentro del cine independiente con la 27ª edición del Bafici. Este año, el festival despliega una programación ambiciosa con más de 300 películas proyectadas en 14 salas distribuidas en ocho sedes. La red de espacios se renueva con la incorporación de Cinépolis Recoleta, la Usina del Arte, el Centro Cultural 25 de Mayo y el Cine Cacodelphia, compensando la ausencia de recintos como el Gaumont o El Cultural San Martín en esta edición.
Información útil para el espectador:
- Venta de entradas: Inicia el lunes 6 de abril (online en la web oficial y presencial en el Teatro San Martín).
- Precios: Entre $3.000 y $5.000.
- Promociones: Abono de 10 funciones por $30.000 y beneficio de 2×1 para clientes del Banco Ciudad.
La grilla destaca por el regreso de autores de la talla de Angela Schanelec, Marcelo Piñeyro y Mike Judge, junto a la retrospectiva conmemorativa Portabella-100, que celebra el centenario del cineasta catalán Pere Portabella. A continuación, seleccionamos seis títulos fundamentales de esta edición:
1. «Yes» (Sí), de Nadav Lapid
El cineasta israelí Nadav Lapid, ganador del Oso de Oro en Berlín, regresa con una obra urgente y visceral. Ambientada en el Israel posterior al 7 de octubre, la película sigue a una pareja de artistas —un músico de jazz y una bailarina— que intentan hallar sentido en un país fracturado por la propaganda y el conflicto. Cuando él recibe el encargo de componer un nuevo himno nacional, la crisis creativa se funde con la presión política. Lapid propone un musical contemporáneo caótico y brillante que cuestiona si el arte puede ser un refugio real o apenas un eco impotente del ruido del mundo.
2. «The Day She Returns» (El día en que ella vuelve), de Hong Sangsoo
Fiel a su minimalismo depurado, el maestro coreano Hong Sangsoo presenta una joya que reflexiona sobre la memoria y el artificio. Una actriz regresa a Corea para promocionar un film independiente y se somete a una serie de entrevistas que desdibujan la frontera entre su personaje público y su identidad privada. Estructurada en tres bloques de planos largos, la película pone en crisis la sinceridad de los gestos mediante una clase de actuación donde los diálogos se recrean de memoria, demostrando una vez más la libertad creativa de un director que mira la vida y el cine como disciplinas indiscernibles.
3. «My Wife Cries» (Mi esposa llora), de Angela Schanelec
Angela Schanelec, voz fundamental del cine alemán contemporáneo, condensa su universo de silencios y gestos en esta nueva producción. La trama se dispara cuando Thomas, un operador de grúa, recibe una llamada del hospital: su esposa, al ser dada de alta, rompe en llanto sin explicación aparente. Con una puesta en escena que ha sido comparada con la solidez de una catedral, Schanelec explora la fragilidad del vínculo amoroso en situaciones cotidianas, logrando una experiencia formal y emotiva que reafirma el poder del gran cine de autor europeo.
4. «The Loneliest Man in Town» (El hombre más solitario de la ciudad), de Tizza Covi y Rainer Frimmel
El dúo austríaco Covi-Frimmel se sumerge en los márgenes de Viena para retratar a Al Cook, un legendario músico de blues que vive rodeado de memorabilia en un departamento amenazado por la demolición. Entre el documental y la fábula, el film es un elogio a los «perdedores hermosos» que resisten el avance de la modernidad y el mercado inmobiliario. Es un relato empático sobre la identidad, el desarraigo y la obstinación de las viejas pasiones frente al paso del tiempo.
5. «Remake», de Ross McElwee
Ross McElwee, referente del documental autobiográfico, entrega su obra más dolorosa y lúcida. Tras la trágica pérdida de su hijo Adrian por una sobredosis, el director utiliza su cámara no solo como testigo, sino como un instrumento de supervivencia. A través de un montaje torrencial de películas caseras, McElwee se enfrenta al duelo y a la pregunta de qué significa capturar recuerdos cuando la tragedia irrumpe. Lejos del sentimentalismo, Remake es un réquiem honesto sobre la fragilidad familiar y la memoria cinematográfica.
6. «Duse», de Pietro Marcello
Pietro Marcello retrata el ocaso de la mítica Eleonora Duse en la Italia que transita entre la Gran Guerra y el ascenso del fascismo. Con una interpretación magistral de Valeria Bruni Tedeschi, la película entrelaza la opulencia del teatro con la incertidumbre política. Más que una biografía tradicional, Marcello construye una elegía pictórica sobre una mujer extraordinaria que enfrenta la decadencia de su arte y de su mundo, alternando escenas de archivo y una puesta en escena fastuosa que reflexiona sobre la permanencia del arte.
